5 edificios diseñados por el célebre arquitecto Philip Johnson

Philip Johnson (1906 – 2005) nació y se crió durante una época en la que surgió y se desarrolló la arquitectura modernista. Johnson creció hasta convertirse en un arquitecto modernista, cuya carrera abarcó más de siete décadas. Johnson no sólo contribuyó al movimiento modernista, sino que también diseñó en el estilo posmodernista. Johnson era bien conocido por su talento único para combinar diferentes estilos y movimientos para crear nuevos diseños interesantes. Johnson también fue un hábil escritor y curador del Museo de Arte Moderno.

Philip Johnson nació en Cleveland, Ohio, hijo de Homer Hosea Johnson y Louisa Osborn Pope. Johnson también tenía dos hermanas, Jeannette y Theodate. Johnson nació en una familia rica y altamente educada, que apoyó su educación. Como resultado, Johnson, que parecía muy inteligente desde muy joven, estudió filosofía y clásicos en la Universidad de Harvard de 1923 a 1930.

Johnson se tomó varios períodos libres para viajar por Europa durante estos años. Estos viajes resultaron muy formativos para él, moldearon su visión del diseño y contribuyeron significativamente al desarrollo de su carrera posterior. Pasó un tiempo en Berlín y en la Escuela de Diseño, Arquitectura y Artes Aplicadas de la Bauhaus en Dessau. Aquí aprendió sobre la arquitectura moderna y los principios del diseño, pero también conoció a Mies van der Rohe, quien se convertiría en un importante amigo e influencia para Johnson, así como en un compañero de trabajo ocasional.

Johnson finalmente obtuvo su título universitario en Harvard y comenzó a trabajar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York como curador y escritor. Johnson colaboró ​​en proyectos con el fundador del MoMA, Alfred H. Barr Junior, así como con el historiador de la arquitectura Henry-Russel Hitchcock. Junto con Hitchcock, fue co-comisario de una exposición sobre arquitectura moderna en 1932 y contribuyó al libro The International Style. El Estilo Internacional es el nombre del estilo de arquitectura moderno que surgió durante las décadas de 1920 y 1930 en Europa y Estados Unidos.

La exposición sobre arquitectura moderna no fue la única exposición de temática arquitectónica en la que contribuyó Johnson. Aparte de ésta, también trabajó en exposiciones sobre Frank Lloyd Wright y Mies van der Rohe. Inspirado por lo que había aprendido sobre arquitectura y diseño durante sus viajes y sus años en el MoMA, Johnson decidió regresar a Harvard en 1940 para asistir a un programa de posgrado en arquitectura. El campo de la arquitectura resultó ser una gran opción para Johnson. Incluso diseñó y construyó una casa para sí mismo en 1942, cuando aún era estudiante.

A diferencia de lo que hubiera sido normalmente, los estudios de Johnson no fueron seguidos directamente por un aprendizaje o un trabajo. En cambio, Johnson fue llamado a servir en el ejército desde 1943 hasta finales de 1945, para luchar contra Alemania en la Segunda Guerra Mundial. Johnson quedó profundamente marcado por esto. De hecho, entre 1934 y 1940, Johnson había demostrado simpatizar con la política fascista. Mientras trabajaba como periodista durante un breve período durante estos años, hizo algunas declaraciones que sugerían una actitud profascista y antisemita. Ir a la guerra hizo que Johnson se diera cuenta de la realidad de la ideología fascista de los nazis y le hizo distanciarse por completo de sus creencias y declaraciones anteriores. Sin embargo, una vez que tuvo éxito, estas primeras declaraciones se utilizaron en ocasiones para apoyar las críticas a Johnson y su trabajo.

Cuando Philip Johnson regresó a casa de la guerra, comenzó oficialmente su carrera como arquitecto. Aunque la casa que Johnson se había construido estaba en Cambridge, Massachusetts, Johnson decidió establecerse en Nueva York. Fue esta ciudad la que funcionó como el lienzo principal de Johnson y una ciudad donde encontró el amor. Johnson, que era bastante abierto sobre su homosexualidad, tuvo algunas relaciones hasta que conoció a su compañero de vida David Grainger Whitney en 1960. El propio Whitney se graduó en la Escuela de Diseño de Rhode Island. Trabajó como asesor de arte, asistente de estudio del artista Jasper Johns y, finalmente, como director de su propia galería en Nueva York. Además, también utilizó sus habilidades de asesoramiento para Johnson's Glass House. Juntos, darían forma al paisaje circundante de la casa, así como a sus colecciones de arte.

La carrera de Johnson abarcó más de setenta años. Johnson todavía estaba diseñando cuando tenía noventa años. Recibió varios premios. Estos incluyen la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos que le fue otorgada en 1978 y el primer Premio Pritzker de Arquitectura que recibió en 1979. Ahora, echemos un vistazo a algunos de sus diseños.

En 1946, justo después de regresar a los Estados Unidos, Johnson decidió comprar un terreno de cinco acres en New Canaan. En este terreno, que se encuentra muy cerca de la ciudad de Nueva York, Johnson construyó una residencia llamada The Glass House. El proceso de diseño y construcción duró unos cuatro años y medio, y el resultado fue un edificio cuyas paredes estaban hechas completamente de vidrio. La transparencia del edificio fue posible gracias a la naturaleza que lo rodeaba. De esta manera, Johnson mantuvo la privacidad necesaria, mientras disfrutaba de un espacio luminoso con excelentes vistas de su entorno. Aunque la estructura en sí parece simple ya que el interior existe como un gran espacio, fue bastante innovador para su época.

Hasta entonces, la transparencia total se había asociado comúnmente con los edificios comerciales modernos, más que con las residencias privadas. Para algunos, la idea de que las casas de cristal formarían el futuro de la arquitectura doméstica era una visión bastante impactante. En el interior se encontraban algunos muebles diseñados por Mies van der Rohe, así como una pequeña cocina y otros muebles básicos pero elegantes. Desde 1949 Johnson vivió en esta casa. Incluso después de dejar la propiedad al Fondo Nacional para la Preservación Histórica en 1986, él y su socia Whitney continuaron viviendo aquí hasta que ambos fallecieron en 2005.

La Casa de Huéspedes Rockefeller fue construida en 242 East 52nd Street en el este de Manhattan en 1950. La casa fue encargada por Blanchette Ferry Hooker Rockefeller, la esposa filántropa de John D. Rockefeller. La estructura única estaba pensada como escaparate de su colección de arte moderno y como espacio de entretenimiento.

La pareja Rockefeller compartía la pasión por el arte asiático, pero Blanchette también sentía entusiasmo por las obras modernas. Además, el barrio en el que se construyó, llamado Turtle Bay, ha sido uno de los centros artísticos de Nueva York desde los años 20.

Cuando uno se para frente a la Casa de Huéspedes Rockefeller, es difícil ver cómo es la casa por dentro. La casa está hecha de ladrillo rojo, acero y vidrio. Lo primero que uno ve al entrar a la casa son los armarios de madera. De esta manera, la transición de la fachada al interior sigue siendo bastante gradual. Sin embargo, después de esta entrada inicial, el diseño general y la sensación cambiaron drásticamente. Después del pasillo, se ingresa a un espacio de exposición y sala de estar grande, luminoso y abierto. El Rockefeller Guest House también tiene un jardín atrio con estanque. Tanto el atrio como el techo de cristal iluminan el interior y resaltan los colores cálidos de la madera y el blanco fresco de las baldosas de vinilo. Gracias a la falta de ornamentación, la simplicidad general del espacio, el uso de materiales modernos como vidrio, acero y piedra, así como la abundancia de luz, la Rockefeller Guest House se convirtió en un gran ejemplo de arquitectura modernista.

En 1958, la Rockefeller Guest House fue donada al MoMA, antes de que Johnson y su socia Whitney la alquilaran y vivieran en ella durante ocho años. Al igual que Blanchette Rockefeller, Johnson también utilizó la casa como residencia para su colección de arte. De esta manera, las paredes quedaron adornadas con obras realizadas por Roy Lichtenstein y Frank Stella.

El edificio Seagram es un rascacielos ubicado en 375 Park Avenue en Midtown Manhattan. Inicialmente, el edificio sirvió como sede de la Seagram Company, que era una destilería canadiense. El edificio Seagram fue diseñado principalmente por Mies van der Rohe y Philip Johnson, con la ayuda de los arquitectos Ely Jacques Kahn y Robert Allan Jacobs. Phyllis Lambert, hija del director ejecutivo de Seagram, Samuel Bronfman, también participó en el diseño del edificio.

Después de que Johnson se enteró por Lambert de que la empresa Seagram quería una nueva oficina, promovió a Mies como el mejor diseñador para el trabajo. Una vez que Lambert nombró a Mies, los tres trabajaron juntos en el diseño del edificio. Mies, que había estado a la vanguardia de la arquitectura de rascacielos y ya había desarrollado varios diseños radicales para torres escarpadas de acero y vidrio, dirigió el proyecto. Fue una obra importante en la obra de Johnson no sólo por el edificio en sí sino también por su colaboración con Mies.

El edificio Seagram es un ejemplo notable del estilo internacional que se definió por la simplicidad, la funcionalidad y el uso de materiales y tecnologías modernas. El exterior del edificio Seagram ejemplifica el estilo internacional a través de la exhibición prominente de sus elementos estructurales, haciendo innecesaria cualquier ornamentación decorativa. El interior del edificio Seagram también refleja los principios del estilo internacional de varias maneras.

El plan abierto y el diseño minimalista priorizan la función y la utilidad sobre la ornamentación. El uso de materiales como acero, vidrio y mármol travertino refleja la estética modernista. Además, el uso de una paleta de colores limitada, con énfasis en tonos neutros como el blanco y el gris, también se alinea con el estilo internacional. Lo mismo se aplica a las líneas limpias y las formas geométricas de los muebles.

El edificio Seagram consta de una amplia variedad de espacios, que incluyen oficinas, salas de conferencias, comedores y áreas públicas. Generalmente el interior es muy abierto, sin muchos muros estructurales. Los pisos de las oficinas fueron diseñados para ser flexibles, con una cuadrícula regular de columnas y un sistema de piso elevado que permitía una fácil reconfiguración de particiones y estaciones de trabajo. El edificio también contaba con varios comedores, incluido un restaurante público y un comedor ejecutivo privado. Además, en el edificio existían varios espacios públicos, como el gran vestíbulo de doble altura y la plaza exterior del edificio.

La Biblioteca Elmer Holmes Bobst, también conocida como Bobst, es la biblioteca principal de la Universidad de Nueva York. El nombre de la biblioteca deriva de su benefactor, Elmer Holmes Bobst, quien donó más de once millones al proyecto. Bobst, que ganó dinero en la industria farmacéutica, fue filántropo y administrador de la Universidad de Nueva York durante mucho tiempo. La Biblioteca Bobst fue diseñada por Johnson y Richard Foster en 1966. Fue construida en el Bajo Manhattan entre 1967 y 1973. Hoy en día, la Biblioteca Bobst alberga más de cuatro millones de volúmenes, 53,320 títulos seriados y más de 43,000 pies lineales de archivos. Gracias a su gran colección, la biblioteca recibe miles de visitantes al día. Ofrece 2.600 plazas.

La Biblioteca Bobst es un buen ejemplo de arquitectura posmoderna. Johnson y Foster favorecieron un enfoque más ecléctico que incorporaba referencias históricas y un sentido de alegría. Las dos características no encajan en la estética modernista. El exterior de la Biblioteca Bobst está hecho de piedra arenisca roja, lo que le da al edificio un aspecto cálido. Esta piedra fue extraída en Massachusetts a finales del siglo XIX y principios del XX, y nuevamente brevemente entre 1965 y 1971. En general, el edificio parece bastante majestuoso. Las paredes exteriores constan de largas ventanas, que añaden agradables toques de luz al interior.

Sin embargo, la luz no sólo procede de estas ventanas. El diseño interior, que presenta una torre de doce pisos con un gran atrio en su base, está cubierto con un llamativo techo de cristal. Gracias a ello se potencia la amplitud del vestíbulo y el edificio siempre cuenta con una buena cantidad de luz natural. Sin embargo, la apertura del atrio no siempre benefició a la seguridad del edificio. De hecho, tres estudiantes se suicidaron aquí, incluso después de que la universidad instalara barreras. Por este motivo se instaló una mampara de aluminio perforada. En la parte inferior del atrio se encuentra un hermoso piso geométrico inspirado en el piso de la Iglesia Palladio de San Giorgio Maggiore en Venecia. En general, el diseño es minimalista, pero tiene algunas características que lo hacen parecer menos estricto que los edificios modernistas.

A menudo llamado un hito posmoderno, el edificio AT&T fue diseñado por Johnson en colaboración con John Burgee entre 1978 y 1983. El edificio también se llama 550 Madison Avenue o edificio Sony, ya que Sony lo arrendó en 1991 y posteriormente se lo compró a AT&T en 2002. Posteriormente, Sony lo vendió al grupo Chetrit en 2013, pero lo volvió a arrendar por otros tres años.

El edificio se construyó inicialmente como sede de AT&T, una empresa multinacional de telecomunicaciones. Tiene 37 pisos y un exterior de granito rosa que hace que el edificio destaque de su entorno de una manera única.

También tiene algunos elementos clásicos característicos de la arquitectura posmoderna, como el gran arco de entrada al edificio, al que se unen arcadas. También está el frontón roto en el techo que tiene una abertura circular. Gracias a estas características, el edificio es conocido como el primer rascacielos posmoderno del mundo.

El diseño presenta numerosas ventanas. El vestíbulo de entrada cuenta con una impresionante escalera central iluminada por la abundante luz natural que entra a través de la ventana en arco. Para el interior, Johnson y Burgee utilizaron materiales de lujo, lo que le dio a la oficina de AT&T una sensación majestuosa. El interior también presentaba referencias a la arquitectura clásica, como las arcadas. Además, el edificio también contiene un auditorio de dos pisos y un estudio de CCTV. Durante el tiempo que Sony estuvo en este edificio, los espacios de oficinas fueron renovados y ajustados para dar cabida a la producción de discos y películas.

Por último, pero no menos importante, el edificio de AT&T contaba con un atrio público con techo de metal y vidrio. Según Burgee, el atrio debía tener un carácter diferente al resto del edificio. Sin embargo, Sony cerró el atrio durante la década de 1990 y colocó una gran pantalla de televisión que mostraba su renovación. En 2020 se construyó un nuevo jardín en el atrio. Este jardín, que contiene árboles, arbustos y plantas, está abierto a los visitantes. A diferencia de antes, el atrio ahora está cubierto por una marquesina de metal y vidrio, que recoge el agua de lluvia. El atrio, que incluye una cascada y lugares para sentarse, está destinado a brindar a las personas un lugar para relajarse.